Rejse
Dette indlæg er en del af Matadors partnerskab med Canada, hvor journalister viser, hvordan man kan udforske Canada som en lokal.
“EN MANDBANDFEST. Det kan jeg ikke rigtig godt lide. Det er kønsspecifikt. Én Wo / Man Band Fest er bedre, det har du på din hjemmeside, men det kan jeg heller ikke rigtig godt lide. Jeg mener, lad os bare kalde os, hvad vi er: ensomme musikere.”Dette var, hvad den selvudnævnte“Halifax Rap Legend”Jesse Dangerously sagde under sit sæt.
”Og neurotiske kontrolfreak,” tilføjede en anden kunstner, smilende fra publikum.
Det afsluttede aftenen på Montreals første nogensinde One Man Band Fest. Lokalet var L'Envers, et lille jazz sted med en hjemlig, stue slags luft til det bortset fra køleskabet til St. Ambroise, der blev solgt i bagerste hjørne.
Atten artister, der optræder over tre nætter, sætter denne festival blandt de største af sin art i Nordamerika, og mens det traditionelle”one man band” har et veldefineret og næsten et klovnisk billede (tænk Bert fra Mary Poppins), viste disse kunstnere en forskellige opsætninger fra traditionelle til mere digitale og elektroniske former.
To dage tidligere sad jeg bag merch-bordet på åbningsaften. Salget var langsomt dette tidligt på aftenen, men jeg fik selskab med Tyler, der udfører sit brand af elektroindie under navnet Super Fossil Power. Jeg spurgte ham om hans valg at udføre alene - når alt kommer til alt har jeg altid fundet at spille musik med andre at foretrække.
Tyler forklarede, hvordan han blev tvunget ind i det ved en kombination af kreative forskelle og engagementforskelle: Hans tidligere band havde delt to måder, hvilket efterlod ham og en anden musiker, som derefter blev for travlt til at optræde.
”Det er virkelig rart at have komplet kreativ og logistisk kontrol,” sagde han.”Du kan skrive, hvad du vil, øve dig, når du vil. Men ja, når du spiller i et band, er der fordele. Mens du træner, spiller du måske lidt riff eller noget og ikke tænker meget på det, og nogen anden vil gå, 'Hvad gjorde du lige? Det lød forbløffende, 'og du går derfra.
”Så er der selve optrædener. Efter en koncert med et band sidder du rundt på en øl og går 'Du kan huske den del, hvor (hvad der skete)?' 'Ja ja, ha ha ha, det var fantastisk!' Uden et band får du måske et 'godt stykke arbejde' bagefter fra et par mennesker i publikum, og du har ret til at pakke dine ting alene, «afslutter Tyler i en lidt skuffet tone. Det er lidt underligt; selv publikum føler og elsker dynamikken mellem bandmedlemmer i løbet af et sæt.
”For mig handler dette om mere end bare musik; det handler om ikke at vente på det skide grønne lys. Hvis du vil gøre det, skal du gøre det, og hvis du knepper det op, så det går …”
Den efterfølgende eftermiddag deltog jeg på et én-mands-bandværksted afgivet af Jon Cohen, festivalens drømmer og instruktør, og Jenn Mierau, en frivillig. Begge er i festivalopstillingen, og begge er blevet en mandbånd ad stier, der ligner Tyler's. Jon spillede guitar i Montreal musik scene i mange år med flere bands, hvoraf nogle han forlod, fordi hans kreative ambitioner ikke var tilfredse, og andre hvor bandkammerater var tilbage, måske af lignende grunde. Til sidst producerede hans sidste band en temmelig succesrig plade og skulle til en lang turné, men hans bandkammerater besluttede det imod, i betragtning af den stressende og tidsintensive karakter af turneringen. At starte fra firkant med et andet band var et nedslående perspektiv, så Jon gik en mand (The Jon Cohen Experimental).
På samme måde spillede Jenn med adskillige musikere i hendes hjemlige Winnipeg, før mange af dem begyndte at flytte. I sidste ende ønskede hun ikke at skulle stole på andre for at spille musik, og begyndte at spille alene (Jenn Mierau). Hun tager imidlertid et lidt andet syn fra Tylers på ensomhedsaspektet:”Det er dejligt at turnere med folk, du kender, og støtten er vidunderlig, men når du er alene, tvinger det dig til virkelig at tale med dit publikum. At få dit publikums perspektiv på din musik er enormt.”
En af Jons foretrukne teknikker er at lægge hans instrumentalspor og derefter komme off-stage ind i publikum.”Ja, ligesom Jenn sagde, undrer du nogensinde på, hvordan du lyder for publikum?” Sagde han.
”Når du først er derude, kan du bare købe det for dig selv …” stoppede han et øjeblik, lukkede øjnene og bøjede hovedet over de to mikrofoner, han klemte for at demonstrere, “… eller synge direkte til mennesker, lige foran dem og ser dem direkte i øjnene. Nogle mennesker kan lide det, andre føler sig ubehagelige, men i sidste ende vil endda dem stille spørgsmålstegn ved, hvorfor det får dem til at føle sig utilpas i første omgang. Det vil røre noget inde i dem, så jeg har gjort det, jeg har tænkt mig at gøre.”
Han prøvede dette først et sted på turné, næsten på et indfald, fordi “det betyder ikke noget, hvis du bombes helt der; hvornår er næste gang du spiller Golden, BC eller Trier, Tyskland? Du går derude, giver det alt sammen, og hvis du bomber, har du den næste nat og natten efter det …”
Foto: Guillaume Désilets
Jon og Jenn bruger begge loopingspedaler, som har udviklet sig i de sidste 20 år til at blive et almindeligt våben i one-mansbandets arsenal. For Jon og Jenn er det også det, der adskiller dem fra at være blot en solo-handling og lader dem betragte sig selv som et band.”For eksempel er den klassiske mand-med-guitar en solo-handling. Intet galt med det, men jeg ville ikke kalde det et band,”sagde Jenn.
”Ja, det er virkelig en person, der udfører arbejdet som 3, 4 eller 5 personer, og noget af den tilgængelige teknologi i dag er utroligt befordrende for det,” tilføjede Jon.
Mere end med traditionelle musikinstrumenter bliver spillet en balance mellem, hvad teknologien tilbyder, og hvad kunstneren kan gøre mentalt og fysisk.
Både Jon og Jenn loop lever, hvilket betyder, at deres sløjfer ikke er forudindspillet; alt hvad de vil bruge i en sang senere, skal de faktisk spille mindst én gang. De kan derefter lag forskellige sløjfer i forskellige længder eller gemme sløjfer, som de har brug for igen senere. Som sådan giver looping-pedalen dem en hel del kompleksitet, men at holde styr på alle disse løkker er virkelig, hvor den ene person udfører arbejdet med 3, 4 eller 5.
Men som så ofte inden for kunsten, kan "fejl" blive en del af det: "at spille organisk", som Jon kaldte det, og tage det, du får ud af teknologien den pågældende nat og køre med det, selvom det ikke er hvad du havde til hensigt.”At optræde i et standardbånd, du har dynamikken mellem bandmedlemmerne, og publikum elsker det,” sagde han.”I et enhandsbånd har du selvfølgelig ikke det, men du får en anden dynamik med loopingpedalen. Publikum forstår det ikke helt, men de kan fornemme, at der er en unik slags intimitet der med den teknologi.”
Efter raplegenden Jesse Dangerous's sæt var Jon den sidste akt på aftenen. Han spillede sin første sang og pausede derefter et par ord.”Jeg er begejstret for, at denne [festival] kom sammen, fordi jeg ærligt talt, som musiker, har lært mere i de sidste par år end i de 15 der før. For mig handler dette om mere end bare musik; det handler om ikke at vente på det skide grønne lys. Hvis du vil gøre det, skal du gøre det, og hvis du knepper det op, så det går …”
Han trak ud. Derefter lagde han sine løkker op: slagværket, baslinjen, den anden baslinie, vokalharmonien, den anden vokalharmoni. Derefter trådte han ud i publikum og sang ind i øjnene med deres scene lysrefleksioner.
